Аниме
Арт
Винтажные
Города
Для бизнеса
Для интерьера
Игровые
Кино и сериалы
Люди
Музыкальные
Мультфильмы
Природа
Разное
Репродукции картин
Спортивные
Черно-белые
Наборы постеров
Модульные картины
2
Реализм — это живопись точного наблюдения. Будь то пейзаж или жанровая сцена, художник ставит перед собой задачу максимально правдиво показать окружающую действительность. На выработку такого мастерства уходят годы скрупулезной работы, но результат того стоит — лучшие произведения в направлении реализма украшают залы галерей, частные коллекции, попадают на страницы учебников. По картинам мы можем изучать ту эпоху, в которую они создавались.
Давайте вспомним 12 легендарных произведений, чтобы на их примере научиться распознавать характерные черты реализма в живописи.
1. Илья Репин — «Бурлаки на Волге» (1870—1873)
Где находится: Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Среди представителей реализма в живописи имя Ильи Репина занимает особое, почетное место. А его «Бурлаки на Волге» — блистательный образец данного направления.
Идея картины пришла в голову художнику во время путешествия по Волге. Находясь на борту парохода вместе с другом Константином Савицким, он увидел шествие бурлаков, тянущих барку. Это большое несамоходное грузовое судно использовали для транспортировки грузов до конца XIX века, а люди в качестве тягловой силы были нормой того времени. Тем не менее, увидев эту картину своими глазами, Репин ужаснулся.
«Какой, однако, это ужас… Люди вместо скота впряжены! Савицкий, неужели нельзя как-нибудь более прилично перевозить барки с кладями, например буксирными пароходами?»
Вид измученных мужиков, из последних сил тянущих судно, настолько сильно контрастировал с наряженными и довольными собой пассажирами парохода, что чувствительная натура художника ярко запечатлела этот образ. Он решил написать картину, посвященную нелегкой жизни бурлаков. Но эскизы, создаваемые на основе воспоминаний, казались неудачными. И тогда Илья Ефимович отправился изучать своих персонажей. На берегу Волги у Жигулевских гор он и нашел прототипов. Так родился шедевр, который сегодня знает каждый.
В картине «Бурлаки на Волге» Илья Репин высвечивает глубокий социальный кризис дореволюционной России, обнажая проблему рабского труда. В эпоху, когда по рекам уже вовсю ходили пароходы (один из них Репин символично изобразил на заднем плане, как знак технического прогресса), капиталистическая система находила более выгодным нанимать за бесценок нищих людей, заменяя ими машины.
🔥 Рекомендуем товар
2. Жан-Франсуа Милле — «Анжелюс» (1857—1859)
Где находится: Музей Орсе, Париж, Франция
Картина «Анжелюс» Жана-Франсуа Милле совершила тихую революцию в искусстве, показав повседневную жизнь крестьян без академического пафоса, фальшивой сентиментальности или религиозного экстаза. Автор написал ее опираясь на глубокие личные воспоминания из детства, он хотел зафиксировать уходящую культуру французской деревни. Милле сам вырос в крестьянской семье в Нормандии и до 20 лет работал в поле. Художник рассказывал, что идея «Анжелюса» была навеяна воспоминанием о бабушке, которая, услышав звон церковного колокола во время работы в поле, всегда заставляла присутствующих остановиться, снять шляпы и набожно прочесть молитву Angelus в память об усопших.
Есть версия, согласно которой Милле написал в первоначальном варианте картины гробик у ног молящихся, но из-за боязни, что такое депрессивное полотно никто не купит, превратил его в ящик для овощей. Эту версию разрабатывал Сальвадор Дали, о чем мы ранее писали в своем блоге.
Эта картина была новаторской для своего времени. В середине XIX века во Франции бушевала индустриальная революция. Деревни стремительно пустели, крестьяне уезжали на заводы в города, а городская буржуазия относилась к оставшимся сельским жителям пренебрежительно, считая их грубыми и необразованными. Милле был категорически несогласен с этим. Он хотел показать, что жизнь людей земли наполнена глубоким внутренним достоинством, духовностью и своей философией. И этот короткий момент молитвы — свидетельство того, что даже в условиях тяжелейшей нищеты и изнурительного труда (а картофель под их ногами — это маркер бедности) человек остается человеком, способным на возвышенные чувства.
🔥 Рекомендуем товар
3. Гюстав Курбе — «Берег моря в Нормандии» (1872)
Где находится: Национальная галерея искусства, Вашингтон, США
Оригинальное название картины “Beach at Etretat, Normandy”. Скалы Этрета в Нормандии вдохновили Гюстава Курбе на бесчисленное количество пейзажей, которые сыграли ключевую роль в развитии пейзажного жанра и европейской живописи в целом. Курбе ознаменовал переход от романтизма к реализму и дал импульс зарождающемуся импрессионизму. В его маринах было столько нового, что приемы Курбе подхватывали и использовали многие его последователи и поклонники.
Интересный факт: Густав Курбе умер в изгнании, отбывая наказание за активное участие в Парижской Коммуне.
На этом полотне мы видим, как Курбе полностью ломает академическое представление о пейзаже как о декоративном фоне. Он не пишет воду жидкими красками, а буквально «лепит» море на холсте. Художник наносил масляную краску толстым, пастозным слоем с помощью широкого ножа-мастихина. Если рассмотреть качественный принт на натуральном холсте, вы увидите, что пена и скалы имеют реальный физический рельеф. Раньше художники только смешивали краски на палитре с помощью мастихина, считая лезвие ножа слишком грубым для рисования. А Курбе мог даже обычный кухонный нож в ход пустить. Писал также ветошью и собственными пальцами.
В своих маринах Курбе сознательно отказывается от присутствия человека, кораблей или птиц. Но на картине «Берег моря в Нормандии» он все же дописывает людей (позже, в мастерской). Пастозная техника и материальность полотна, документальная точность в изображении локации и отказ от романтического пафоса вызвали удивление и восторг у современников, а также сделали картину образцом реализма в живописи.
🔥 Рекомендуем товар
4. Эдвард Хоппер — «Полуночники» (1942)
Где находится: Институт искусств Чикаго, США
Среди любителей урбанизма в нашем разделе картин Эдварда Хоппера эта работа занимает особое место. Картина «Полуночники» относится к направлению реализма, а конкретнее — к его американскому ответвлению XX века, известному как риджионализм. В эпоху расцвета абстракционизма и сюрреализма Хоппер продолжает фиксировать объективную действительность, выбирая объектом неприукрашенную жизнь обычных людей. Вместо парадных видов Нью-Йорка автор делает центром сюжета невзрачную ночную закусочную. Это так «непоэтично»!
Художник с точностью чиновника, составляющего опись имущества, изображает приметы времени: жестяные кофейные баки, солонки на деревянной стойке, недопитые стаканы, дешевую одежду бармена и наглухо закрытые окна кирпичного здания напротив. Это эстетизация повседневности без попытки сделать ее более «красивой».
В «Полуночниках» реалистично показано психологическое состояние общества. Глубокое чувство изоляции и меланхолии было реальностью для жителей крупных городов 1940-х годов. Автор с максимальной естественностью передает позы героев: устало опущенные плечи бармена, безразличный взгляд мужчины у стойки, механическое движение руки женщины.
Обратите внимание: у этого стеклянного павильона закусочной нет видимого выхода. Дверь во внешний мир просто отсутствует в поле зрения зрителя, превращая заведение в прозрачный аквариум. Внутреннее пространство заливает резкий люминесцентный свет, выбеливая потолок и создавая клиновидные тени на асфальте снаружи. Пальцы мужчины и женщины, сидящих рядом, почти соприкасаются на деревянной стойке, но их взгляды направлены в разные стороны, подчеркивая абсолютное одиночество людей в большом городе. Дополнительный штрих — пустая темная улица за стеклом, где в витрине соседнего магазина видна лишь блеклая кассовая стойка.
🔥 Рекомендуем товар
5. Василий Пукирев — «Неравный брак» (1862)
Где находится: Государственная Третьяковская галерея, Москва
Картина Василия Пукирева «Неравный брак» (1862) — яркий пример русского критического реализма в живописи XIX века. В этот период художники постепенно уходили от формальной передачи реальной действительности в сторону отражения острых социальных проблем, заставляя общество задуматься над ними.
Реализм всегда обращается к актуальным, наболевшим темам. В России 1860-х годов проблема бесправного положения женщины и браков по расчету стояла действительно остро. За год до написания картины, в 1861 году Святейший Синод даже выпустил указ, осуждающий браки с большой разницей в возрасте, но на практике это мало что меняло. Бедных девушек продолжали выдавать замуж за богатых стариков ради выживания семьи. Пукирев пытается внести свой вклад в решение этой проблемы. Во времена, когда не было телевидения и соцсетей, наиболее впечатляющим способом обнажить социальную язву становилось искусство.
Интересный факт: идея сюжета родилась у Пукирева в связи с любовной драмой, случившейся с его другом, Сергеем Варенцовым. Его молодую возлюбленную выдали замуж за мужчину на 13 лет старше, при этом сам Варенцов был вынужден присутствовать на венчании в качестве шафера. Первоначально Василий Владимирович сделал друга персонажем своей картины, но в связи с тем, что тот запротестовал, автор изобразил на его месте самого себя.
🔥 Рекомендуем товар
6. Иван Шишкин — «Пруд в старом парке» (1898)
Где находится: Государственная Третьяковская галерея, Москва.
В этой работе Иван Шишкин, которого часто упрекали в излишней «фотографичности», отошел от привычной манеры. Картина написана в последний год жизни мастера и наполнена легкой меланхолией, которая больше характерна для полотен Левитана. В своих главных лесных пейзажах («Утро в сосновом лесу», «Корабельная роща») Шишкин работает как ученый-ботаник: он выписывает каждую хвоинку, кору, сломанную ветку и трещину с абсолютной, звенящей резкостью. А здесь главными объектами изображения становятся световоздушная среда, задумчивость и тишина — лирически тонкий пейзаж настроения.
Если присмотреться к тому, как написана ряска на воде и дальний план картины, вы заметите, что Шишкин отказывается от жестких контуров. Кроны деревьев теряют строгую детализацию, они будто окутаны влажным воздухом позднего лета. Мазки мягкие и обобщенные, что в целом делает фактуру картины осязаемой и сближает ее с принципами импрессионистского видения природы. Этот уход в сторону поэтизации старения природы говорит о том, что на исходе жизни художник был погружен в глубокое лирическое размышление.
🔥 Рекомендуем товар
7. Оноре Домье — «Вагон третьего класса» (1862–1864)
Где находится: Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США
Картина Оноре Домье «Вагон третьего класса» — это эталон французского социально-критического реализма XIX века. В ней автор также, как и Милле, по-своему осмысляет изменения в обществе, связанные с индустриализацией, показывая ее изнанку. Сельские жители массово повалили в города на заработки, превратившись в нищую серую массу. Домье показывает жизнь городского пролетариата без прикрас и ложного сентиментализма.
Отметим, что Оноре Домье стал одним из первых, кто сделал местом действия картины общественный транспорт, а точнее — душный вагон для бедноты. До появления реализма такие «низкие» сюжеты считались недостойными большой живописи. Художник тщательно передает маркеры своего времени, эпохи промышленного переворота: деревянные лавки, тусклый свет из небольших окон и дешевую, изношенную одежду пассажиров.
Проза жизни, которую рисует автор, заключена в персонажах на первом плане. Мы видит представителей трех поколений:
- пожилую женщину, чьи узловатые пальцы крепко сжимают ручку старой корзины;
- молодую мать, погруженную в свои заботы и мягко прижимающую к себе ребенка;
- спящего мальчика — его расслабленная поза выдает крайнюю степень физического истощения после рабочего дня.
При этом пассажиры на задних рядах лишены индивидуальности, их лица намечены беглыми мазками, они сливаются в плотную, безликую массу. Этот прием подчеркивает проблему того времени — то, как мегаполис превращает человека в безликого представителя «эконом-класса» и статистическую единицу.
Существует несколько вариантов этой картины, и одна из них есть в нашей коллекции.
🔥 Рекомендуем товар
8. Макс Либерман — «Мастерская сапожника» (1881)
Где находится: Музей Берггрюна, Берлин, Германия
Картина Макса Либермана «Мастерская сапожника» относится к периоду раннего реализма (натурализма) в творчестве художника. В отличие от его поздних наполненных яркими красками и солнечным светом импрессионистских картин, это полотно представляет собой социально ориентированное искусство.
Сюжет прост и взят из повседневной жизни — на картине показана обычная мастерская, где пожилой сапожник погружен в свою работу, в то время как мальчик-подмастерье очищает обувь. Здесь нет никакого пафоса, лоска или драматизма. Только спокойная передача рутинной ситуации.
При этом натурализм художника проявляется во внимательном отношении к деталям быта:
- потертые деревянные стулья и грубый верстак;
- инструменты, обрезки кожи и разбросанная старая обувь;
- неказистая изношенная одежда на самих мастерах.
Яркая палитра импрессионизма появится у Либермана позже, а в «Мастерской сапожника» доминирует приглушенный колорит, землистые тона, что подчеркивает приземленность и обыденность сюжета. Художник отразил социальный подтекст времени. К 1881 году индустриализация в Европе начала вытеснять мелких ремесленников. Подобные кустарные лавочки закрывались, а сапожники все чаще занимались не пошивом новой обуви, а починкой старой. Обращаясь к этой теме, Либерман поднимает тему социального положения человека труда.
🔥 Рекомендуем товар
9. Диего Веласкес — «Старая кухарка» (1618)
Где находится: Национальная галерея Шотландии, Эдинбург.
«Старая кухарка» относится к начальному этапу творчества испанского живописца, когда персонажами его картин становились преимущественно бедные горожане. Эту картину Веласкес написал задолго до того, как стать придворным живописцем. Но уже здесь он демонстрирует великолепное владение текстурами предметов. С каким мастерством изображен натюрморт на переднем плане: матовая, пористая глина кувшина контрастирует с зеркальным, холодным блеском бронзовой ступки и пестика. Но композиционный центр картины — это яйца, которые томятся в глиняной плошке. Веласкес передал тот краткий момент, когда прозрачный белок уже начал белеть и сворачиваться под воздействием температуры. Пожилая кухарка выполняет свою работу на автоматизме, она напряженно смотрит на мальчика с дыней, губы приоткрыты. Возможно, она спрашивает: «Почему тебя так долго не было?» или «Как сегодня твое самочувствие?».
Эта работа стала своего рода предтечей реализма, потому что в XVII веке в живописи господствовало барокко. Но Веласкес намеренно отказывается от идеализации (у кухарки лицо реальной пожилой женщины с морщинами, пигментными пятнами и уставшим взглядом), осязаемо передает свойства предметов и даже с точностью показвает процедуру приготовления яиц, характерную для Испании того времени (пашот).
🔥 Рекомендуем товар
10. Рембрандт ван Рейн — «Урок анатомии доктора Николаса Тюльпа» (1632)
Где находится: Музей Маурицхёйс, Гаага, Нидерланды.
Рембрандт — еще один предтеча реализма в живописи. Этот групповой портрет был написан по заказу членов Гильдии амстердамских хирургов, которых и изобразил автор. Вот только запечатлен был не типичный процесс вскрытия, который по инструкции нужно начинать с разрезания брюшной полости. Здесь эпизод создан исключительно для театральности. Рембрандт использует свой фирменный прием — направленный, почти сценический свет, который выхватывает из темноты воротники-фрезы и лица живых людей, противопоставляя их холодному телу на столе.
Центром композиции является мертвенно-бледное тело казненного вора Адриана Адриансзона. Доктор Тюльп пинцетом приподнимает сухожилия левой руки трупа, чтобы продемонстрировать, как работают мышцы, сгибающие пальцы. Самое интересное — это психологическая реакция зрителей на холсте. Лица врачей выражают спектр эмоций: от холодного академического интереса до легкого шока.
Так Рембрандт ван Рейн в эпоху расцвета барокко отказался от идеализации, строгой парадности и религиозного мистицизма в пользу правды жизни и глубокого психологизма. Этот холст стал настоящим прорывом к реалистическому восприятию мира.
🔥 Рекомендуем товар
Rembrandt van Rijn - The Anatomy Lesson of Dr Nicolaes Tulp | Рембрандт
Размеры печати:
11. Константин Маковский — «Бандура» (1881)
Где находится: в частной коллекции.
Константин Маковский никогда не был строгим бытописателем вроде своего брата Владимира или других передвижников, которые строили свои сюжеты на социальной драме и обличении пороков. Маковского-старшего публика любила за роскошные, идеализированные боярские пиры и выразительные светские портреты. Но тем удивительнее и ценнее его редкие, глубоко искренние зарисовки из народной жизни, такие как небольшое полотно «Бандура».
Картина написана в стиле этнографического реализма, где главным источником вдохновения становится подлинная жизнь и культура простого народа. Маковский переносит нас на деревенскую улицу к старой бревенчатой избе. Расположившись на бревне, двое кочующих музыкантов собирают возле себя местных жителей, чтобы таким нехитрым образом заработать себе на жизнь. Сюжет незамысловатый, характерный для деревни конца XIX века.
Что и говорить, во все времена и в любых условиях люди не могли устоять перед звуками музыки, оставляя свои повседневные дела и замирая перед искусством. А в данном случае мы смотрим на картину с позиции зрителей, которые, вероятно собрались перед играющими музыкантами. Слышите ли вы эту внутреннюю музыку, которую хотел донести автор?
🔥 Рекомендуем товар
12. Василий Перов — «Спящие дети» (1870)
Где находится: Государственная Третьяковская галерея, Москва
Василий Поленов — ключевая фигура русского реализма. А дети бедняков — его любимая тема. Он изображал их максимально честно, без пафоса и приукрашивания. И едва ли кто-то мог это сделать более искренне и трогательно. Это были не фарфоровые херувимы на лоне природы, Перов применял совсем другой подход, характерный для Товарищества передвижников. Он просто показывал моменты из жизни низших сословий с такой откровенностью, что картина сама по себе становилась мощным социальным высказыванием.
Перед нами угол старого сарая, где прямо на соломе спят мальчик и девочка. Их сон не выглядит безмятежным. Эти двое перенесли все тяготы и заботы дня и забылись сном, глубоким и крепким — какой бывает только у детей. Но и во сне нет спасения от назойливого чувства голода, боли в натруженных ногах и беспокойства о тревожном и непонятном Завтра.
Босые ноги и поношенная одежда детей вызывает сострадание, которое усиливается деталями.
- На шее у девочки грошовые оранжевые бусы — вероятно, она, как и все девочки ее возраста все же мечтает стать принцессой.
- Огрубевшие пятки и царапины свидетельствуют о том, что для бедной семьи обувь — это непозволительная роскошь.
- Яркий, нездоровый румянец на щеках мальчика и его прижатые к груди руки намекают на тяжелый изнуряющий труд, после которого дети буквально замертво повалились спать.
Перову удается тонко передать беззащитность, хрупкость и чистоту детских душ, запертых в тисках суровой нищеты.
Для тех, кто подбирает картины для учебных заведений или тематических галерей, эта работа также входит в наш готовый Комплект картин «Реализм», 12 шт.
🔥 Рекомендуем товар
Жанр реализма в живописи вывел на холсты тех, кого академическая живопись раньше «не замечала»: крестьян, ремесленников, нищих и рабочих. Персонажами стали не безупречные античные боги, а реальные люди со своими заботами, усталостью и морщинами, а природа и обстановка выполнялись с максимальной достоверностью без приукрашивания.
Реализм требует безупречной четкости при печати, ведь весь смысл этих картин кроется в мелких нюансах — трещинах краски (кракелюре), волокнах ткани и игре полутеней.
При заказе в интернет-магазине «Ананас Постер» вы получаете:
- Высокую детализацию: современное оборудование передает рельеф мазков Курбе, сложную светотень Рембрандта и фактуру кожи в работе Веласкеса.
- Натуральные пигменты: цвета не поблекнут со временем и будут в точности соответствовать музейным оригиналам.
- Варианты оформления: от классического деревянного багета, который подчеркнет историзм «Неравного брака», до современной галерейной натяжки для «Полуночников» Хоппера.
Оставить комментарий